Seniman kelahiran Hawaii Toshiko Takaezu dikenal karena karyanya dalam keramik yang mendefinisikan ulang genre tersebut dengan “bentuk tertutup,” seperti yang dia sebut – wadah tertutup yang bagian dalamnya tersembunyi dimaksudkan untuk mengaktifkan imajinasi. Bulan depan, kehidupan dan karya Takaezu akan menjadi fokus dari sebuah pameran besar di Noguchi Museum di Long Island City, Queens. “Toshiko Takaezu: Worlds Within” akan menampilkan lebih dari 150 karya dari koleksi pribadi dan publik di seluruh negara, dikuratori bersama oleh sejarawan seni Glenn Adamson, kurator museum Kate Wiener, dan komposer serta seniman suara Leilehua Lanzilotti. Pengunjung akan dapat melihat koleksi yang meliputi tujuh dekade karier Takaezu, mulai dari karya mahasiswa awalnya di Hawaii pada 1940-an hingga bentuk-bentuk keramik monumen yang dia hasilkan pada akhir 1990-an hingga awal 2000-an. “Takaezu juga seorang pemintal dan pelukis, dan sering kali membuat instalasi multimedia di mana keramik, tekstil, dan lukisannya beroperasi bersama,” kata Wiener. Untuk memainkan ide ini, para kurator mengatur pameran secara kronologis, menggabungkan setiap media ini ke dalam bagian-bagian berbeda, terinspirasi oleh instalasi-instalasi Takaezu sendiri. Suara juga akan memainkan peran. Di dalam karya keramiknya, Takaezu sering kali menempatkan fragmen kering dari tanah liat di dalam wadah bentuk tertutupnya, menciptakan gemerincing musik. Untuk pameran ini, Lanzilotti (finalis Penghargaan Pulitzer 2022 dalam musik) telah mengembangkan serangkaian video yang menawarkan wawasan tentang elemen-elemen suara dari karya Takaezu – dan pengunjung dapat mendengar gemerincing itu langsung melalui tampilan interaktif. Dari 20 Maret hingga 28 Juli; noguchi.org.
Jelajahi Di Sini
Toko Pertanian Milik Chef Dibuka di Hudson, N.Y.
Pada tahun 2015, koki dan penulis buku masak Emma Hearst dan suaminya, koki dan petani John Barker, pindah dari Manhattan ke New York bagian utara, dengan niat untuk membudidayakan produk-produk berkualitas restoran yang sulit mereka temukan secara lokal. Mereka mendirikan Forts Ferry Farm, lahan seluas 100 hektar di Latham, N.Y., bersama saudara Barker, seniman dan fotografer Jamie Barker. Sekarang, peternakan tersebut menanam lebih dari 250 varietas sayuran, buah-buahan, herba, dan bunga, yang digunakan dalam makanan siap saji, madu, dan bumbu yang dijual di Pasar Petani Troy Waterfront dan online. Tahap berikutnya dalam pengembangan peternakan ini adalah toko fisik, Farm Shoppe, berjarak 50 menit berkendara ke selatan di Hudson yang ramai. Ruang yang menawan, yang dibuka pada awal Februari, memiliki dinding hijau laut dan trellis kayu buatan tangan. Rak-raknya dipenuhi dengan produk-produk musiman dan bunga, saus cabai panas populer peternakan itu, dan koleksi barang meja antik yang dipilih secara ketat termasuk terrine, piring saji, dan kendi keramik. Pada musim panas nanti, tunggu belanja di udara terbuka di halaman belakang toko yang akan segera selesai. fortsferryfarm.com.
Dari hutan-hutan Brazil (Inhotim) hingga tanah ternak Montana (Tippet Rise Art Center) dan properti bersejarah di Prancis (Château La Coste), taman-taman seni bermunculan di tempat-tempat yang tidak terduga di seluruh dunia. Di Jaipur, India, Taman Patung di Istana Madhavendra, yang dibuka pada tahun 2017, memperkenalkan pameran keempatnya pada akhir Januari. Peter Nagy, seorang Amerika yang telah menjalankan galeri kontemporer Nature Morte di New Delhi selama lebih dari dua dekade, menjadi kurator pameran tersebut, menyatukan dua belas seniman untuk mengekspos karya mereka di seluruh apartemen istana, yang sendiri terletak di dalam Benteng Nahargarh abad ke-18. Di halaman terbuka, seniman berbasis di Berlin Alicja Kwade telah memasang “Superposisi,” susunan bola batu yang dipoles, kursi perunggu, dan cermin. Nagy mengatakan Kwade tertarik dengan arsitektur istana, yang selesai dibangun pada tahun 1892 sebagai tempat rekreasi untuk Maharajah Sawai Madho Singh II. Ada kompleks apartemen yang identik, masing-masing dimaksudkan untuk salah satu dari banyak istri Maharajah; berkeliling di dalamnya seperti menghadapi “labirin doppelgänger arsitektural,” kata Nagy, mencatat tematik Kwade yang sering berkunjung tentang refleksi dan ilusi. Edisi Keempat Taman Patung diperlihatkan hingga 1 Desember, instagram.com/thesculptureparkjaipur.
Tinggal di Sini
Hotel Baru yang Cerah yang Mengacu pada Sejarah Hyères, Prancis
Kota pantai selatan Prancis Hyères mungkin lebih dikenal sebagai tempat inkubator bakat fashion: selama 39 tahun terakhir, kota ini menjadi tuan rumah Festival Internasional Mode, Fotografi, dan Aksesori Fashion. Tapi warga setempat mengingat sejarahnya sebagai destinasi yang sangat diinginkan bagi Eropa di Laut Tengah pada akhir abad ke-19 – yang menurun pada tahun 1920-an ketika ekonomi terguncang akibat Perang Dunia I dan minat beralih ke destinasi yang muncul seperti Nice. Ketika restoran dan hotelier David Pirone membuka Le Marais Plage, klub pantai dan restoran Italia, pada tahun 2013 dan hotel La Reine Jane pada tahun 2017, itu untuk memenuhi permintaan yang meningkat dari para pengunjung festival dan membawa kembali kota kelahirannya ke peta para wisatawan. Bulan depan, dia berencana untuk membuka Lilou Hôtel di salah satu properti hotel asli Hyères yang tersisa dari tahun 1870. Interior telah direimaginasikan oleh Kim Haddou dan Florent Dufourcq, pemenang grand prize Van Cleef & Arpels di Design Parade Toulon 2018. Para desainer menghindari sentuhan terra-cotta yang umum dalam interior Provence, memilih bahan alami berwarna lembut seperti lantai gabus dan furnitur kayu burl. Trellis mengingatkan pada kebun musim dingin awal abad ke-20, dan penggunaan pintu berbentuk busur dan boiserie dalam beberapa ruangan mengingatkan pada villa Moorish kota itu dari abad ke-19. Bahkan karya seninya memiliki sentuhan lokal, dengan karya-karya yang dipilih secara kolaboratif dengan Jean-Pierre Blanc, pendiri festival mode dan direktur vila modernis yang berubah menjadi pusat seni Villa Noailles. Lilou Hôtel dibuka pada 29 Maret, mulai dari $130, lilouhotel.fr.
Lihat Ini
Pekerjaan Sehari-hari Seniman Jadi Sorotan di Pameran Universitas Stanford
Apakah Anda tahu bahwa pematung Larry Bell, terkenal dengan kotak kaca puitisnya, mulai bekerja dengan bahan itu hanya setelah dia menjatuhkan potongan kaca saat bekerja di sebuah toko bingkai di Burbank, Calif.? Atau bahwa Jeffrey Gibson, seniman yang mewakili Amerika Serikat di Biennale Venesia pada April, memulai karirnya sebagai visual merchandiser di toko Ikea di Elizabeth, N.J.? Bagaimana dengan cara pendekatan pionir minimalis Sol LeWitt bekerja sebagai resepsionis di Museum Seni Modern New York sementara Dan Flavin mengoperasikan lift? Dampak pekerjaan sembilan hingga lima tradisional pada kreativitas seniman adalah subjek dari pameran yang menyegarkan dan informatif yang dibuka di Cantor Arts Center di Universitas Stanford pada 6 Maret. (Pameran ini berasal dari Blanton Museum di Austin, Texas, tahun lalu; jajarannya telah berkembang untuk mencakup figur tambahan dari California.) Dibagi menjadi tujuh bagian yang mewakili industri yang diisi dengan seniman, seperti mode dan perawatan, pameran ini menyajikan berbagai karya seni, mulai dari gambar dinding LeWitt hingga “People Like Us” karya Gibson (2018), sebuah pakaian yang rumit digantung seolah-olah dalam tatakan jendela. Untuk melakukan penelitian pameran ini, kurator Veronica Roberts melakukan polling hampir 100 rekan kerja untuk menyusun sejarah seni dan tenaga kerja yang pada umumnya belum ditulis. “Kami membuatnya sangat sulit menjadi orang kreatif di negara ini,” kata Roberts. “Menjadi seorang seniman bukanlah seseorang yang duduk dengan beret, merokok, dan memiliki epifani. Inspirasi bisa datang dari momen-momen yang benar-benar mundan.” “Day Job” dipamerkan di Cantor Art Center di Universitas Stanford hingga 21 Juli, museum.stanford.edu.
Jika Anda baru saja masuk ke TikTok atau menonton pertunjukan mode, Anda mungkin menyadari obsesi saat ini dengan pita. Istilah seperti “cottagecore” dan “coquette” – merujuk pada gaya berpakaian yang menggunakan topi, korset, dan, ya, pita secara liberal – telah menjadi tidak terhindarkan di sudut-sudut tertentu di internet, sementara pita telah menguasai layar dan catwalk. (Pertunjukan pakaian wanita Prada pada musim gugur 2024 baru saja dibuka dengan gaun bergaris sepanjang lutut yang dihiasi, menurut hitungan saya, setidaknya 27 pita hitam.) “Membuka Pita,” pameran baru di Museum of FIT di New York, bertujuan untuk melacak sejarah dan mendekripsi dampak hiasan yang tak terhindarkan ini. Dikuratori oleh mahasiswa program magister studi mode dan tekstil sekolah tersebut, pameran ini menampilkan 50 pakaian dan aksesori dari berbagai era. Borgol sutra dari sekitar 1750 mencerminkan asal-usul fungsional pita sebagai simpul yang mudah dilepas untuk mengamankan potongan pakaian, sementara gaun Comme des Garçons berwarna pink Pepto dari tahun 2007 menampilkan potensi dekoratifnya dengan sepasang pita berbantalan yang tertanam di bagian depan bodice dan pinggul kanan. Contoh-contoh dalam pameran ini cenderung ke pakaian wanita (seperti juga koleksi museum secara keseluruhan), meskipun pakaian pria diwakili dengan berbagai jenis dasi kupu-kupu, topi jerami awal abad ke-20 yang diikat dengan pita, dan sepasang sepatu opera Inggris dari tahun 1930-an. Mengapa pita begitu kuat sekarang? Olivia K. Hall, salah satu mahasiswa yang mengkuratori pameran, mengatakan, “Ini adalah motif yang dikaitkan dengan kegirangan dan ketulusan – ini terasa seperti pengingat bahwa di usia dewasa, mode masih dapat bersifat bermain.” “Membuka Pita” dipamerkan dari 1 Maret hingga 24 Maret, fitnyc.edu/museum.
Dari Instagram T